Энди Уорхол – один из крупнейших художников современности. Его творчество неотделимо от такого понятия как «массовая культура». Он много сделал для того, чтобы искусство стало максимально доступно широким массам, чтобы люди научились видеть красоту повседневных вещей, понимая, что все, что окружает человека, прекрасно по своей сути. Для Уорхола искусство было способом любить поверхностную суть вещей. Именно такая проницательность помогла ему понять, что именно это делает искусство безграничным.
Энди Уорхол хорошо знаком русскому зрителю по большим выставкам, прошедшим в Москве за последние несколько лет. Уорхол создал сенсационную серию полотен, на которых были изображены, зачастую в кричащих цветах, банки кока-колы и консервов, в том числе — знаменитые изображения банки томатного супа «Кэмпбелл», ставшие визитной карточкой Энди Уорхола. Радикальные арт-критики сразу обратили на них внимание, заявив, что произведения молодого художника искусно вскрывают пошлость, пустоту и безликость западной культуры массового потребления.
Несмотря на то, что его имя одно из самых знаменитых в новейшей истории искусства, и работы характеризуются вроде бы понятным словом поп-арт, все его банки супа, кислотные портреты знаменитостей и тиражированные артефакты общества потребления требуют не только пытливого ума и искусствоведческих знаний, но и представления о личности самого Энди Уорхола. За видимой простотой работ кроется очень неоднозначная персона, вызывающая множество споров. Кем был этот загадочный человек, позволивший себе снимать просто спящего человека, и какой смысл пытался он донести? Ведь одна из наиболее распространенных точек зрения на творчество Энди Уорхола состоит в том, что он был дутой пустышкой, коммерческим неудавшимся художником, выдающим свою бездарность ума ( хотя это вовсе не так ) за некий смысл. И тем не менее до сих пор есть люди, преклоняющиеся перед ним, способные чувствовать в его наследии большее, чем изображение завтрака в коробке.

Я просмотрела видеоролик "Эрнст Неизвестный".Этот советский скульптор внёс огромный вклад в мировое искусство.Из-за своей принципиальности и несоблюдения идейной последовательности последовательности,был не признан на родине и вынужден уехать за границу.Его работы приобрели мировую известность:"Маска скорби", "Золотое дитя", "Память шахтерам Кузбасса", "Древо жизни".Больше всего мне запомнился мемориал с центральным монументом "Маска скорби",посвященный памяти жертв политических репрессий.Центральная скульптура мемориала представляет собой стилизованное лицо человека, из левого глаза которого текут слёзы в виде маленьких масок. Правый глаз изображён в форме окна с решёткой. На обратной стороне бронзовая скульптура плачущей женщины под распятием.

"Мировое искусство второй половины ХХ века."
1963 год,первому секреторю СКПСС председателю советов министров СССР товарищу Хрущёву. Ознакомившись выставкой "30 лет Мосха" ,мы с сожалением отмечаем, что в показе творческого пути передового отряда советского искусства, внёсшего значительный вклад в художественную культуру нашей страны, не соблюдена необходимая идейная последовательность и принципиальность , и критика рьяна взялась за выполнение указаний свыше. Все говорили о враждебности искусства Эренста Неизвестного. "У меня всё тело в шрамах, я воевал за Москву, пережил клиническую смерть, был посмертно награжден орденом красной звезды, считался пропавшим без вести. "Стихи Андрея Вознесенского посвященные лейтенанту Эренсту Неизвестному, посвящены как раз этому деятелю, и меня заставили уехать. Поверьте, другого выхода в 1976 году у меня не было!"-говорил скульптор в интервью. На вопрос журналиста хотел бы ли он увидеть Москву, дал ответ, что мечтает поставить в Москве памятник, он работает над ним уже 20 лет и назвал его "Древо жизни". Тема "Древо жизни" есть прославление души человека и человеческого знания - это образ внутреннего мира человека утверждающий неотделимость духовного начала от математического и чисто логического от науки. Через духовные соединения искусства современной наукой и технологией "Древо жизни" манифестирует симбиоз веры и знания, в единстве они обогащают друг друга и тем самым придают целенаправленность одухотворённой вселенной.В центре "Древо жизни" будет скульптура примерно 150 метров высотой и 150 метров в диаметре, расположенное внутри круга из пересекающихся дорог образующих "розу ветров".

Баронина Ксения 9 «Б» класс
Мировая живопись первой половины 19 века, основные направления. Жак Луи Давид.
В европейской истории произошёл колоссальный переворот политический, социальный и культурный. С следствием демократизации общества, появилась демократизация культуры! Рождение новых художественных стилей.
1 Классицизм- рассматривал античность как этическую и художественную норму.
2 Ампир-стиль в архитектуре и декоративно-прикладном искусстве трёх первых десятилетий 19 века, завершивший развитие классицизма.
Жак Луи Давид Французский живописец. Родился 30 августа 1748 года в Париже. Учился в «Королевской академии» живописи и скульптуре, изучал античное искусство в Риме. Он стал основоположником классицизма. Жак Луи был призван воспитывать у зрителя высокие моральные качества. Для художника, характерны публицистическая направленность, стремление выразить героические свободолюбивые идеалы. Это ярко видно в картине «Смерть Сократа»1787 год. Картина «Клятва Горациев» воспринята, как призыв к революционной борьбе. Здесь наиболее ярко выраженно чувство долга над личностными чувствами, отношениями, патриотизмом.
Классицистические представления о волевом и деятельном начале как в сущностном ядре человеческой личности отражаются в портретах Давида этого периода. Жак Луи Давид долго работал над своей картиной «Клятва в зале для игры в мяч» это историческая картина на современную тему, 1791 год. Сюжетом послужила следующая ситуация. Депутаты национального собрания пришли в зал заседания. А он оказался закрыт, король разогнал его, тогда депутаты собираются в комнате для игры в мяч. Там они дают клятву: « Не расходится, пока не добьются конституции во Франции». Объёмная картина на ней изображено более ста человек. Это реально существовавшие исторические персонажи. Эту картину он так и не докончил и вырезал из неё центральную часть. Хранится картина в национальном музее Версаля.

(продолжение)Идеально было бы что бы эта "роза ветров"была опущена во впадину земли, как в гигантскую чащу. Названо "Древо жизни" ибо это организм, который произрастает из семи корней уходящих в землю, каждый корень символизирует один из смертных грехов. Корни образуют систему тунелей, подземный лабиринт. В надземной части монумент состоит из семи спиралей, каждая одного из семи цветов спектра, образующих симметричную форму человеческого сердца. Формы открыты, посетитель оказывается одновременно и внутри и снаружи, и по сути двигаясь внутри него сам становится его составной частью, в каждой есть кровенная клетка пульсирующая в сердце человечества. Эренст Неизвестный признан ведущими специалистами Америки и Европы "один из крупнейших монументалистов ХХ века". В Белгороде, Лондоне, Париже, Сан-Франциско, Западном Берлине и Риме прошли его персональные выставки. Человеческая стойкость особое состояние воли, побеждающей страдание, мощь уединения плоти и духа, в этом заключается гигантский мотив его творчества.

Я посмотрела ролик «Эрнст Неизвестный». Эрнст Неизвестный - великий скульптор и график. Многие скульптуры Неизвестного высечены из камня, однако больше других материалов он любит бронзу, а в наиболее крупных композициях предпочитает бетон. Использование объемов и полостей позволяет в одном произведении совмещать монументальность и динамичность. Наиболее известные монументальные произведения Неизвестного объединены в цикл, над которым Неизвестный работал с 1956 года. Лучшим произведением этого цикла является скульптура «Древо Жизни». Эта композиция олицетворяет борьбу добра со злом и победу светлых сил.
Замысел создать композицию "Древо жизни", символизирующую торжество жизни и человеческого духа, появился у скульптора около полувека назад. С тех пор произведение много раз видоизменялось, однако крона дерева всегда напоминала форму человеческого сердца. Под ветвями гигантского "растения" из бронзы и гранита собраны портреты сотен самых важных исторических личностей (от Адама, Евы и Будды до Юрия Гагарина). Ствол и крона, оплетенные лентами Мебиуса, создают мистические и религиозные символы, причем не только основных религий, но и верований самых незначительных островных племен.

Я просмотрела ролик об Энди Уорхоле,и, нужно сказать, он произвел на меня большое впечатление. Очень интересный человек, нашедший свой собственный путь в искусстве.

Энди Уорхол выдающийся художник, культовая персона в истории поп-арт -движения и современного искусства в целом. Именно благодаря творчеству Уорхола в плакате и рекламе стали использоваться особым образом обработанные фотоиллюстрации и многократно повторенные изображения.

Энди Уорхол писал звезд (Элвис Пресли, Мерлин Монро), героев знаменитых мультфильмов, знаменитых политических деятелей.

Важной чертой работ Уорхола является их тиражность. Техническое тиражирование во многом породило интерес к самому объекту рекламы, этого нельзя не признать. Использование тиражной техники шелкографии позволило Уорхолу и его помощникам организовать настоящее "производство" современного искусства. Он стал первым человеком, который публично признал, что деньги являются ничуть не менее важной составляющей профессии, чем творчество.

В начале 1960-х годов Уорхол сделал первые карандашные рисунки с изображением долларовых банкнот. В это же время появляются и работы с изображением банок супа Campbell’s. Выставка этих работ в нью-йоркской галерее Стабл, состоявшаяся в 1962 году, имела большой успех.

Своеобразность работ Уорхола принесли ему огромную славу. Его картины являются одними из наиболее продаваемых и на сегодняшний день.

Я посмотрела видеоролик Пол Джексон Поллок. Джексон Поллок был американским художником,идеологом, и лидером абстрактного экспрессионизма, который оказал значительное влияние на искусство второй половины ХХ века. Нью Йорк, начало 40-х годов, Джексон Поллок, странный художник,один из множества непризнанных гениев, живущих на Манхеттене. Многие гальеристы чувствуют что в нём что-то есть,но на отрез отказываются продавать его работы. Стиль Поллока ещё не сформировался, и к тому же, мужчина слижком много пьёт, даже по меркам художественной багемы. Единственная, кто верит в талант, влюблённая в него коллега- художница. Она решает увезти художника из Нью Йорка,где он безуспешно пытается справиться с дипрессией. За городом она покупает крошечный фермерский дом, и оборудует там мастерскую. Ещё при жизни он стал воплощением модернизма ХХвека. В 1950 году Поллок испытал потрясающий успех на Венецианском фестивале, в это время мастер написал такие произведения как, Осенний ритм, Лиловый туман, Галлактику и Белый свет. Больше всего, из всех его произведений, на меня произвело впечатление такой картины , как Луна. Также были написаны и другие величайшие произведения художника: Готика, Женщина-Луна, Люцифер, Океан, Чашка Чая,Ключ, Волчица, Стенография и другие различные композиции. Всю жизнь , боровшийся с алкоголизмом, Поллок погиб в автокатастрофе, ведя машину,, в нетрезвом состоянии, 11 августа 1956 года в возрасте 44 года. После смерти Поллока его галерея продала все его картины, включая и те которые были не готовы.

Баронина Ксения 9 «Б» класс
Я просмотрела видеоролик про Эрнста Неизвестного
Все говорили о враждебности искусства Эрнста Неизвестного. Он рассказывал, что воевал и был награждён орденом красной звезды посмертно. Позже считался пропавшим без весте. Меня заставили уехать, поверьте другого выхода в 1976 году, у меня не было. Рассказывал он в интервью. На вопрос интервью, хотел бы он посетить Москву? Он ответил, что мечтает уже давно поставить в Москве памятник, над которым работает уже 20 лет. Этот памятник он назвал: « Древо жизни». Тема «Древо жизни», есть прославление души человека и человеческого знания. Скульптура напоминает розу ветров и будет хорошо, если ею поставить во впадину земли, как в глубокую чашу. Названа эта скульптура так, как её корни уходят в землю и каждый корень это грех, корни как спирали. В надземной части Древо жизни напоминает форму человеческого сердца.
Эрнст неизвестный призван одним из лучших специалистов 20 века. В Белгораде, в Лондане, в Париже и в Сан-Франциско, в западном Берлине и Риме прошли его персональные выставки. Человеческая воля, душа и плоть в этом заключается мотив его гигантского творчества.

Я просмотрела видеоролик про Эрнста Неизвестного. И он меня очень удивил своим творчеством.Эрнст Неизвестный создал скульптурные композиции, украсившие многие города мира. Это 970-метровый рельеф – фасад Института электроники города Зеленограда, скульптура "Исход и возвращение" в Элисте , "Золотой ребенок" в Одессе, в 1996 г. Неизвестный закончил свое монументальное (высотой в 15 м) произведение "Маска скорби", посвященное жертвам репрессий в Советском Союзе. Эта скульптура установлена в Магадане.В 1956 году скульптор начал работу над главным своим замыслом - "Древом жизни" Он долго над ним работал около 20 лет.Эрнста Неизвестного можно по праву назвать одним из лучших скульпторов современности, чьи произведения всегда ярки, оригинальны и узнаваемы
В апреле 1945 года в Австрии был тяжело ранен, признан погибшим и за проявленный героизм "посмертно" награжден орденом Красной Звезды.

Я просмотрел видео-ролик "Неоценимый вклад в мировое искусство второй половины XX века внёс советский скульптор Эрнст Неизвестный. Непризнанный на родине, подвергающийся жёсткой критике, он вынужден был уехать за границу и продолжить творить свои шедевры по всему миру". Мне очень понравился скульптор Эрнст Неизвестный его роботы которые находятся в Швейцарии, Франции, Тайване и т.д.
У Эрнста Неизвестного очень много работ "Золотое Дитя", "Маска скорби" и многие другие....
Когда журналист спросил у Эрнста Неизвестного хочет ли он увидеть Москву он ответил , что мечтает поставить там памятник он работает над ним уже 20лет и назвал его "Древо жизни".
Этот памятник меня очень поразил он настолько красиво сделан , что оторвать глаз от него просто невозможно центр этого памятника в высоту достигает 150 метров и диаметр тоже 150 метров. "Древо жизни" очень похожа на сердце человека так как нижняя сторона симетрича верхней.

Я просмотрела фильм "Живопись.Романтизм" о появлении во второй половине 19века стиля "романтизм" и о творчестве крупнейших деятелей этого направления:Теодора Жерико, Эжена Делакруа, Франсиско Гойя. Романтизм родился во Франции.Основными представителями романтизма были:Теодор Жерико,Эжен Делакруа и Франсиско Гойя. Теодор Жерико-французский живописец.Его самая значительная картина-"Плот медузы".В основу создания этой картины были введены реальные события.Жерико любил изображать лошадей на своих картинах,а сам умер упав с лошади. Эжен Делакруа-выдающийся живописец,представитель романтизма во французском искусстве.Он получил хорошее образование в школе искусства в Париже.Делакруа стал самым выдающимся живописцем-романтиком.Большее впечатление произвела его картина "Резня на Хеосе". Франсиско Гойя-выдающийся испанский живописец.Он рисовал фрески,мануфактуры,алтарные картины для церквей.И стал первым живописцем короля.После тяжелой болезни Гойя оглох и стал вести более замкнутый образ жизни.В 78 лет он вынужден был уехать во Францию,спасаясь от Ферденанда седьмого.Он жил в изгнании и до самой смерти не расставался с кистью. Фильм был очень интересный!!!Спасибо!!!

Просмотренный фильм «Живопись. Романтизм» мне очень понравился, из него я понял, что Романтизм в искусстве, как идейное направление получил распространение в Англии, Франции и других западноевропейских регионах. Наиболее ярко романтизм в искусстве проявился через живопись. Большинство национальных школ эпохи романтизма 19 века сложилось в борьбе с официальным академическим классицизмом. Романтизм развивался во многих странах, тем самым вбирая в себя яркие национальные особенности каждого региона, обусловленное местными условиями и историческими традициями. Художники, объединяли формы бурным движением, использовали яркий насыщенный колорит и широкую, обобщенную манеру письма (представители Т. Жерико, Э. Делакруа, Ф. Гойя).
Мне понравилась картина "Свобода ведущая народ" которой заканчивается романтический период в творчестве Делакруа. На этой картине широким шагом шествует Свобода, развеваются ее одежды, реет в воздухе флаг. В последнем усилии тянется к ней раненый; размашисты жесты вооруженных повстанцев; взмахнул своими пистолетами Гаврош. Но не только в позах, жестах, движениях изображенных людей, не только в окутавших город волнах порохового дыма ощущается драматизм происходящего. Порывист, экспрессивен ритм композиции: по диагонали из глубины вырвалась на передний план фигура Свободы.

(продолжение) Она кажется самой крупной, так как поставлена на вершину баррикады. Небольшая фигурка мальчика рядом контрастирует с нею; раненый и человек в цилиндре своим движением вторят вихрящемуся движению Свободы. Ее звучная желтая одежда как бы вырывает ее из окружения. Резкие контрасты освещенных и затененных частей заставляют взор зрителя метаться, перескакивая с одной точки на другую. Драматична тут и сама живопись; накал борьбы выражен в бешеном водовороте света и тени, в стихийной динамике форм, в беспокойно вибрирующем рисунке и прежде всего в накаленном колорите. Все это сливается в ощущении необузданной силы, надвигающейся с неотвратимой решимостью и готовой смести все препятствия. Сам художник очень любил эту свою картину и приложил много усилий, чтобы она попала в Лувр.

Я просмотрела фильм " Живопись второй половины ХХ века. Абстрактный экспрессионизм.Джексон Поллокю". Искусство XX века характеризуется появлением новых подходов к творческому проявлению деятельности художников. Основой этих подходов становится отход от реальности, абстракция. Один из таких стилей - абстрактный экспрессионизм.
Абстрактный экспрессионизм- школа (движение) художников, рисующих быстро и на больших полотнах, с использованием негеометрических штрихов, больших кистей, иногда капая красками на холст, для полнейшего выявления эмоций.
Пол Дже́ксон По́ллок ( 28 января 1912 — 11 августа 1956) — американский художник, идеолог и лидер абстрактного экспрессионизма, оказавший значительное влияние на искусство второй половины XX века. Джексон Поллок родился в штате Вайоминг, он был младшим из пяти сыновей. Первые пятнадцать лет его жизни семья переезжала с места на место. Когда Полу было одиннадцать, его родители остановились в Аризоне. Именно там с ним произошёл несчастный случай: приятель отрубил ему фалангу пальца. Поллок обучался в Высшей школе прикладных искусств. В 1930 году Поллок переезжает в Нью-Йорк. Нью Йорк, начало 40-х годов, Джексон Поллок, странный художник,один из множества непризнанных гениев, живущих на Манхеттене. Многие гальеристы чувствуют что в нём что-то есть,но на отрез отказываются продавать его работы. Поллок вешал полотно на стену или клал на землю

(Продолжение) Поллoк вешал полотно на стену или клал его на пол, он говорил что он должен чувствовать сопротивление тведой поверхности, что на полу легче всего, так он становиться ближе к живописи, ее частью, ходить вокруг нее и роботать с четырех сторон, быть внутри нее. Создовая композицию художник свободно брызгает на полотно краску, в своей работе он использавал палочки , совки , ножи, льющююся краску, смесь краски с песком или еще с чем-то, отклоняясь от обычных инструментов художника.Когда он внутри живописи он не осознает что делает , он не боиться потери образа, он просто выпускал ту живопись , которая у него на душе, наружу, он выражал в своих картинах свои чувства и эмоции, одним словом свою жизнь.это все характеризует Поллока как настоящего, великого художника.
После 1951 года работы Поллока стали темнее по цвету, часто даже черными, а также вновь возникли фигуративные элементы. Поллок стал выставлять свои работы в галерее, более ориентированной на коммерческий успех, и они пользовались огромным спросом со стороны коллекционеров нового искусства. Под этим давлением у Поллока усилилась склонность к алкоголизму.

(Продолжение) Всю жизнь боровшийся с алкоголизмом, Поллок погиб в автокатастрофе, ведя машину в нетрезвом состоянии, в Спрингсе, 11 августа 1956 в возрасте 44 лет. Один из пассажиров скончался на месте, его девушка выжила. После его смерти галерея Поллока продала все его работы, оставшиеся в студии, включая и те, которые были не готовы.
Произведения полока:
«Мужское и женское»
«Стенографическая фигура»
«Женщина-луна разрезающая круг»
«Волчица»
«Голубое (Моби Дик)»
«Глаза в жару»
«Ключ»

Я посмотрела фильм "Архитектура XVIII в.". Более всего мне запомнился архитектор Ф.Б.Растрелли, яркий представитель художественного стиля эпохи – брокко. Иностранец по происхождению, он передал весь свой талант и свои силы России, где протекли годы его творчества, выразил русскую культуру XVIIIв. наиболее полно и ярко. По его словам, он создавал свои произведения лишь для одной только славы российской.
Растрелли превратил Петербург из города-порта в город дворцов. Первая крупная работа Растрелли – Третий Зимний дворец, построенный для Анны Иоановны (1733 – 1736) – ансамбль зданий, образующий каре вокруг внутреннего двора. Этот дворец не сохранился, о внешнем виде можно судить только по гравюрам М.И. Махаева.
В 1752 году Елизавета Петровна поручила Растрелли перестроить Большой Царскосельский дворец (Большой Екатерининский дворец). И за четыре года был построен пышный дворец с 325-метровым фасадом.

Для Растрелли было характерно продолжение старой русской традиции двуцветной окраски зданий: чаще всего он применял лазурный, бледно-фисташковый и бледно-оранжевый тона для стен. Золочение вносило дополнительную пышность в традиционную двуцветную окраску.

Я считаю, творчество Ф.Б.Растрелли внесло неповторимый вклад в культуру и историю России. Он нашёл стиль, наиболее полно выражающий культуру русской дворянской монархии эпохи её высшего расцвета. Влияние Растрелли на современных ему и последующих архитекторов также было огромно.

Туаршева Дана, 10"а" класс

Я просмотрела ролик «Японское искусство XXI в. Андо Хиросигэ». Ролик мне очень понравился и я узнала из него много нового.

Творчество Андо Хиросигэ (кстати, его настоящее имя было Андо Токутаро) произвело на меня большое впечатление. Он являлся мастером японской графики. Как и многие художники, Андо Хиросигэ обращался за вдохновением к природе. Он писал прекрасные пейзажи, часто оживляя их бытовыми сценами. Мне так же понравилось, что Хиросигэ изображал простых людей: рыбаков и сельских тружеников. Серия его работ «53 станции Токайдо» прославила его на весь мир. У него было также множество других работ, но больше всего мне понравился пейзаж «Озеро Хокан». Именно на этой картине мы видим как искусно художник изображает переходное время суток. Андо Хиросигэ был знаменит простотой и ясностью своего художественного языка.

Также из этого ролика я узнала что у японских художников не было возможности выезжать заграницу, и поэтому они путешествовали по своей стране, посещая и изучая самые знаменитые и красивые места. Вот почему, мы замечаем такую большую разницу между японским изобразительным искусством и между искусством других стран. Картины японских мастеров удивляют своей легкостью и лаконичностью.